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嫌なら法定通り死ね
明らかに異質だけど、他にはない強いエネルギーがあれば、それは数年後に大きなトピックになると考えます。
それを探し出し、イチ早く皆さんにお伝えするため、いつも世界中をウロウロしてるのです。
つまり、数年後の世界が知りたければ、自ら世界中ウロウロすればいいんですよ！
そこにはインターネットには載ってない小さな次世代の芽が必ずあります。
「光を観る」と書いて観光です。
旅ほど新しい視点を得る機会は、他にはありません。
ちなみに、今週滞在した英国で感じたのは、ロンドン以外の都市は壊滅するだろうと言うことです。
既に英国第二の都市バーミンガムは財政破綻しました。
これはイギリスに限らず他国でも同様だと思われますが、首都及びそれなりの観光都市以外はひどい有様になるでしょうね。
日本も他ではありません。
どこかで何かを英断しなければならない時期が必ずやってきます。
ですが、おっしゃるように多くの人が実感するのは7~8年後のことかもしれません… .。
松本清張原作の人気小説「ゼロの焦点」を映画化する際も、クライマックスを改変することで結末をより印象的にしてテーマを引き立たせました。
それに感銘を受けた松本清張は、「どんどん改変して良いから『砂の器』も映画化してくれないか」と直接持ち掛けたと言います。
試行錯誤の結果、さまざまな効果的改変を加えて完成した「砂の器」は、試写を見た原作者に「この映画は小説を超えている」と大絶賛される傑作映画になりました。
私も面白くて何度も見ています。
興味ぶかいのは、ポスターにもなっている印象的な「親子の旅」の場面です。
ハンセン病のため迫害を受け、幼い息子と日本中を回らなければいけなかった過酷な旅、時に四季の風景に和んだり、という場面は、実は原作には全く無いと言いますから驚きです。
原作にあるのは「どんな旅だったのかは二人しか知らない」という一文だけなんです。
その他にも原作から改変した部分がことごとく圧倒的な効果を生んでいる印象です。
こういう名人の職人技を見せられると、「改変は悪で原作のまま映像化すべきだ」という意見とは真逆に、「改変による面白さをもっと見せて欲しい」とさえ思えます。
改変にも度合いがあって、作家の京極夏彦などは、映像化、コミック化などに対して「小説とは別物なのでどうぞご自由に」というスタンスです。
本人もその映画にちょっと出演していたりしますから、本当に別物として楽しんでいるのでしょう。
これが、原作と映像化作品の幸せな関係のような気がします
また、テーマが歪められない範囲で、制約に合わせた改変は許容する、という約束もあり得ます。
松岡圭祐は「催眠」という小説で、「催眠術というのは決して恐ろしいものではない」ということをテーマにしたのに、映画版では「催眠術は人も殺せる恐ろしいものだ」という真逆のホラー話にされてしまい、激怒したそうです。
作品で伝えたかったテーマ自体を捻じ曲げられてしまうというのは、キャラクターのイメージがどうこうとは別次元の、酷い改変の例ですね。
松岡圭祐は続編小説の「千里眼」は、抗議の意味で、あえて別の映画会社で映像化させています。
映像化において改変は決して「悪」ではないんです。
ことさらおかしな、それほど効果的とも思えないような改変をして、自分の作家性を出そうとする人もいますが、基本的には、原作の魅力を映像メディアに変換して発信するためには改変が必要なんです。
問題なのは「原作通り、改変せずに映像化しますよ」と出来もしない約束をしておきながら、その後の事情によってその約束を反故にすることです。
これはポジショントークになってしまいますが、趣味として「創作」は良いですよ、という話です。
もちろん、スポーツでもいいです。
ただ、私のように運動が苦手で体力もない場合、必ずしもスポーツが楽しめないんですね。
スポーツが得意な人のように爽快感や達成感を感じにくい。
それに対してインドア系・文化系の人は、創作が向いているかもしれません。
創作活動にもさまざまなものがあります。
ざっと挙げても、絵画系、文章系、工作系などが思いつきます。
それぞれに入門しやすい内容も用意されているでしょう。
そんな中でも私は「映像製作」が盲点になっていると思うのでお勧めしています。
映像製作という創作が他の創作と違うのは、「共同作業にも発展させられる」という点です。
普通は小説や絵画を複数人で手分けして作成したりはしませんよね？
それに対して、映像製作は一人でも出来るし、イベントとして仲間と一緒に一つの作品作りを楽しむことも出来るんです。
これは大きな特徴だと思います。
そして映像製作というと敷居が高いと勘違いされることが多いんですが、特にスマホが普及した現在、もしかしたら最も始めやすい趣味かもしれません。
創作関係の講座やワークショップを開くと「創作をしてみたい」という人が集まってきます。
そして、いろいろ質問が出ます。
例えば、映画を作ろうというようなワークショップの場合、一番多いのは
「どういう機材を使えばいいんですか？」
「カメラは何を使えばいいんですか？」
という質問です。
こちらの答えというのも
「とりあえず何でもいいです」
といつも決まっています。
映画を作るんだから、一眼レフを買ってその動画機能で撮らなきゃいけないなんてことはないし、家庭で眠っているハンディーカムがあればそれでも十分だし、スマホを使って始めるというのもいいんです。
とにかく何でもいいから始めてみて、そこから「こういう映像が撮りたいんだけれどもスマホじゃうまく撮れない。どうすればいいだろうか」という次の質問が来れば、いろいろとアドバイスはあるんですけれども、まだ何もやっていないのに、いろいろと疑問は湧くんでしょうね。
これはなぜかというのを考えると、失敗を極端に恐れている人が多いようです。
最短コースで創作物を完成させたいために、事前にあれこれ聞いて無駄なく行動したい。
これがどうも動機になっているようです。
ただ、実際問題として、初めて何かに取り組むときに全く失敗をせずにストレートに作業を完了させることは不可能なんですよ。
一回も転ばずにスキーが滑れるようになりたいと言っているのと同じなんですね。
スポーツとか創作はむしろ、失敗した方が理解が早いんです。
「こういうことやってはいけませんよ」
「こうした方がいいですよ」
といくらアドバイスしても、失敗したことが無いとピンと来ないはずなんです。
ですから、失敗は必要悪だと思って、無理に避けようとしないことが大事じゃないかなと思います。
また、失敗したくない事にも繋がりますが、「高望み」が無駄なんです。
もちろん作るからには良いものをつくりたいというのは、当たり前の感覚ですが、経験が浅いうちは高望みしてもあんまりいいことがないんです。
勉強熱心な人というのは、いろいろ本を読んだりとか調べたりして、事前にどんどん知識を貯めていきます。
すると、なんだか出来るような気になってしまいますが、実際はうまく出来ないんです。
失敗とセットで体験してやっと出来るようになるからです。
内容にもよりますが、パロディー作品は著作権をはじめとする権利を侵害してしまう可能性があります。
ただ、勘違いしなくていいことは、権利を侵害した映画を作っちゃいけないわけじゃないんです。
自分たちで練習として作って、それを自分たちが見ているだけであれば、別にこれは違反ではないんですね。
これをSNSなどで発信した瞬間に法律違反になるわけです。
例えば、非常に権利関係にうるさいディズニーのディズニーキャラクターを、自分できれいに絵に描いて、自分の部屋に飾っておく分には何も違反をしていないし、文句を言われる筋合いはないんです。
これを外に発表したり、販売したりすると、重大な法律違反になるということです。
だから、ベタドラマの内容にもよりますが、完成品はYouTubeやSNSにアップしたりとかせずに、自分たちのスマホの中だけで見る状態にした方が無難だとは思います。
ここは、料理とガストロノミーに特化した高等教育および研究機関で、料理に関する学士号、修士号、短期プログラムなど、多岐にわたる教育プログラムを提供して、日本から和食の講師として錚々たる料理人が講義を行っています。
特に新しい食材の発見や、既存の食材の新しい利用法の研究する「フードサイエンス」と、栄養に重きをおいた「健康的な食生活を促進するためのレシピやメニューの開発」は、とても素晴らしい！
入学するかどうか（できるかどうか）はさておいても、一度ご覧になったあと「国内の大手」に入るかどうか、お決めになればよろしいかと思います。
この時代、仕事もそうですが、学校もひとつの教育機関でお求めのすべてが賄えるとは限りません。
ぜひ一度、サンセバスチャンへ！
そうしないと、どこかで必ず「ネタが切れて」しまいます。
まずは、思いつきと手癖だけで作るのから脱却し、表現の歴史を理解して、作品の現在地を俯瞰的に見るようにしましょう。
そうすると、既存のアニメの見方も大きく変わります。
スタジオジブリの作品には、フランスの印象派の影響が感じられる風景描写が多く見られ、シュルレアリスムの影響は「天使のたまご」や「パプリカ」のような、夢と現実が交錯する作品にも見られます。
ちなみに、日本のアニメは浮世絵から多大な影響を受けています。
また、アニメは構図も重要ですが、それより光が重要なんです。
こちらはレンブラントからはじまって、カラバッジョなどの光と影を理解することが大切で、基本的にハリウッドのアニメーターも撮影監督も、このあたりの美術史を知らない人はいません。
それゆえ、世界一の撮影監督と言われるロジャー・ディーキンスが、「ウォーリー」「ヒックとドラゴン」などのアニメ映画のビジュアル・コンサルタントを務めたのです。
まずは美術史を学びましょう。
アルフレッド・ヒッチコック監督は電気系の技術者やデザイナーを経て監督になった経歴も関係しているのか、色々な技術を応用して作った特撮映像に理解があるというか、自分自身で手法を考案して採用することも多いんです。
有名な「めまいカット」の撮影法を考案しただけでなく、その手法で撮影する螺旋階段を、「ミニチュアを使って撮影すればいい」と撮影監督にアドバイスして、伝説的なショットを作ったことは有名です。
ヒッチコック映画は基本的にストーリーも面白いので、私はprime videoで古い作品を良く見ます。
そして、お決まりの「監督がちらっと映っている場面」を探すのはもちろん、自然に組み込まれた特撮映像を見つけては楽しんでいます。
しかもご質問にある2択に問題があります。
一般的に、新しい挑戦は「好奇心のままに失敗してもいいからチャレンジしよう！」などと暴挙と思われる考えは勢いだけの「ポジティブ病」と見なされ、また「最悪死ぬ可能性もあるし、今のままある程度現実的な範囲で背伸びとかせずに生きようよ」などと言う極めて「ネガティブ」な極論を考えながら始めるものではありません。
新しいプロジェクトでも行ったことがない旅路でも、綿密に計画を立て、幾度とない調査としっかり自分と向き合い取り組むことが鉄則中の鉄則です。
それでも「しっくりくる」事は永遠にありません。
なぜなら、100%確実な未来はひとつもないからです。
それでも計画をしっかり立てること。
本件に限らないと思いますが、貴君に足りないのは徹底的になにかを突き詰める集中力だと思われます。
そのために僕が長年お勧めしているのは、血糖値をフラットにすることだと幾度となく申し上げてきました(というか忘れてしまっている？)。
もしかし極端な食生活を送ってらっしゃいませんか？
どちらにしろ、集中力を高め、成功しても失敗しても何かに取り組まないと全員に平等である時間ばかりが過ぎ去ってしまいます。
まずは、食事の節制を徹底し、血糖値をフラットにしましょう。
お求めの「バランス」は、食からはじまります。
絵画も小説も基本的には作業が一人で完結します。
でも、映像制作という創作は、初めから最後まで一人で完結させられる場合もあれば、複数の人に手伝ってもらいながら作るというやり方もできます。
規模が少し大きくなってくると、主に撮影時に人の手が必要になるので、仲間を募ってチームで活動をすると言うことが一般的になってきます。
その時に「一人で完結させる」という癖が抜けていないと、ちょっとまずいことになります。
基本的に映画は製作者（プロデューサー）の意図に沿って作品を作るわけで、一番負担が大きい製作者が、一番大きい満足を得られることになります。
この満足感を体験してしまうと、私のようにこの活動がやめられなくなってしまうわけです。
合同で創作活動をする場合、手伝ってくれる人達は、製作者ほどの満足感は決して得られないんですね。
企画初期の段階から関わっていない場合は特に、作品に対する愛着がそれほどないからです。
私が反省を込めて思うことは、賛同者に製作者と同じような犠牲を強いることはしてはいけないということです。
子供の頃、テレビで洋画劇場の番組がいっぱいありましたから、機会があれば名作も観ていますが、B級映画も同列に楽しんでいたわけです。
映画ファンの中には「名作映画」を絶対視するような人たちがいて、私はちょっと揶揄を込めて「映画原理主義」と呼んだりしてます。
要は贅沢な撮り方をして「映画とはこうあるべきだ」と言うような一定の「型」を持っていて、大抵の場合はとてもお金と手間が掛かっている映画が多いです。
芸術的なレベルが非常に高くて、必ずしも商業的に優れていなかったとしても、素人目にも「これは歴史に残るような映画なんだろうな」ということは分かります。
そういう映画こそが映画であって、「観客が楽しめればいいじゃないか」というような作品を見下す人たちが一定数いるんです。
それに対して、私はあえて皮肉を込めて「邪道映画」というのを提唱して、「映画は邪道でいいじゃないか」「楽しければいいじゃないか」と言っているわけです。
映画原理主義の人は「撮影はこうあるべきだ」あるいは「演技はこうあるべきだ」という「型」にこだわり過ぎじゃないかな、という印象を私は持っています。
「型」というのは大事なんですけれども、それにこだわり過ぎると、ちょっと滑稽なことになります。
音楽のバンドとか演劇とかと同じような動機・モチベーションで映画作りをする人たちが一定数います。
私もその一人です。
趣味としてやっている前提ではあるんですが、これでお金を稼げたらそれに越したことはないと、これは誰でも思っている筈なんです。
ただ、ご存知のように、話はそんなに甘くはありません。
音楽の活動をしてライブハウスでライブをしたとしても、お金の流れは、店から出演料をもらうのではなくて、出演する側が発表の場を買っているということがほとんどです。
他の舞台系の活動も、出演している本人たちがお金を払うのが当たり前のようになっているのが現状です。
これは需要と供給の関係なので仕方ないんです。
話をインディーズ映画・DIY映画に絞ると、多くの作り手は「自分たちはお金のためにやってるわけじゃないから、別に売れなくていいんだ」という言い方をするんですね。
もちろんそうでしょう。
仕事は別にあって、「これは趣味だ」ということであれば、「お金のためじゃない」と言えますから。
でも、私は当事者として実感があるんですが、「お金のためじゃない」というのは、やっぱり言い訳なんですよね。
創作活動に協力してくれる人たちに、大抵の場合、報酬は支払うことができません。
映画を作るときの資金は、言い出しっぺであるプロデューサーの自分が全部出すのは当然ですが、協力者にも「無償で手伝ってくれないか」というのが大前提になっちゃってるんです。
本来であれば、大の大人が1日潰して付き合ってくれるわけですから、それなりのお礼は渡すべきなんです。
それを「趣味の活動だから、あなたも自分の趣味のように参加してくれませんか？」ということで、賛同してもらってるわけです。
これはとてもありがたいことなんですけれども、「お金のためじゃないから払えないんだよね」という言い訳に使っていたり、「これで儲けようとしているわけじゃないから、作品がつまんなくてもあんまり厳しい批評はしないでね」という言い訳にもしていると思います。
社長はDIC川村記念美術館に伺うのが、かなり久しぶりでしたので
しごく感動しておりました。レンブラントから、モネ、ピカソ、
ルノワール、シャガール、藤田から、キリコ、ブランクーシ、アル
プ、マグリッド、そして現代美術では、圧巻の７点のマークロスコ
の部屋では鳥肌が立ちました。
そこから、フランクステラ、エドワースケリー、ポロック、デビュ
ッフェ、ロイリキテンシュタイン、イヴクラインと美術史が一望
できる内容になっており、その収集作品の筋の良さには驚きます。
これだけの充実した内容のものを揃えるには、当時、かなりの数
の作品をご購入され、展示されていない作品もかなりの数があるの
ではないかと思われます。
美術品というのは、目利きも必要ですが人とのご縁が大切です。
値段が高くなる絵だけ購入しようとするのは、プロといえども、
不可能です。真摯に芸術と向き合い、美術品を購入するのにお金
は必要ですが、その心構えといいますか、かなりの覚悟がなけ
れば、あれだけの名品を絵描きも画商も、紹介することはないと
思います。
個人と会社ともに、借入金やローン、リースの類がひとつもなく、残ったスタッフに「迷惑をかけないように」しています。
念の為、コンピュータやスマートフォンのパスワードも何人かに公開してまして、30年前から僕の訃報記事を書いてくれる新聞記者を指名しており、周囲には亡骸は海へ散骨するよう頼んでいます。
昔と比べ危機察知能力は高まったと思いますが、性格上、いつ死んでもおかしくありませんからね。
何事にも一度ハマったらどこまでも突っ込んでいく性格は、なかなか治りません・・・。
それでもトラブルはつきものですから、カメラストラップは50センチ以下にして小脇に抱え、正面からカメラを持ってないように見える工夫など、最低限のリスクマネージメントはしております。
僕は三脚や照明を一切使いませんので、基本的にこれが全装備となり、機材バックなどを持ち運ぶ事もありません。
また、最近はMacを持っていくこともなく、写真の現像はiPadで行い、日々OKテイクをクラウドに保管するようにしてバックアップ体制もそれなりに整えています。
ちょっとリスクマネージメントと言うと変に聞こえるかもしれませんが、カメラもレンズもまたiPadも世界のどこでも買えるような機材を使っており、もし本当に盗難や故障などあったら、行った先で代替品を購入して仕事を完遂します。
機材は盗られても、画がなかったり、データを盗られたら大問題です。
こちらはお金では買えませんから。
何より、命あっての物種。
お気持ちはわかりますが、機材程度で済んで良かったと思いますよ。
命は買えませんが、機材はまた買えるのですから(しかも最新機種を)。
例えば、16mmフィルムで撮影していた時代はフィルム代と現像代で200万円掛かっていた作品。
同じ内容の作品でも8mmフィルムで撮れば20万円で済みますし、ビデオテープ撮影では1万円しか使いませんでした。
今では、撮影に消耗品は使いませんから、撮影機材さえ揃っていれば、撮影に掛かるのは0円とも言えます。
私が、「趣味の映画作りにお金は掛かりませんよ」というのはこのことです。
人件費をお金と考えたら、もちろん時間や個人の技術力に応じた人件費は膨大に掛かっていきます。
例えば、失敗なくレベルの高い撮影をしたい場合に、フリーランスのカメラマンを雇って撮ってもらうことは出来ます。
１日5万円だとして、10回の撮影で50万円。
役者も演技力がある人を使いたいという事で、雇うことももちろん可能です。
無名の役者であれば、1日2万円くらいで出演してくれるかもしれません。
人数が3人で、撮影回数が10回であれば、60万円。
同様に、専門スタッフも、映画撮影の教科書に書いてある通りに集めて、それぞれ人件費を払っていくとすると、ちょっと趣味の範疇には収まらない金額になっていきます。
そこまで考えて、「資金調達」に動き出す人がいます。
クラウドファンディングや、各種の助成金によって、資金を集めることは出来るかもしれません。
でも、私は映画製作の初心者が安易に他人から資金を集めることには反対なんです。
クラウドファンディングはともかく、助成金は他人の納めた税金ですからね。
そんなお金を使っ
★身分相応のスケールで創作を繰り返す
結論を言うと、フィルム代などの材料費が掛からない現在、製作費はゼロから始めましょう。
スタッフや出演者に適切な指示を出せない人が、プロを集めてもまったく使いこなすことはできません。
これは、「良いカメラさえ買えば、素晴らしい写真が撮れる」という勘違いと同様です。
とくにアマチュアの場合は、「しっかりと完成させられる」というレベルになるまで、実作業の経験が必須なんです。
ですから私は、少なくとも最初の5作くらいまでは、高い人件費が発生しない「仲間内」だけで映画製作をするべきだと思うんです。
まずは、役者もスタッフも未経験のアマチュアである友人だけで揃えて、普段遊びの延長で映画作りを始めることがオススメです。
当然、技術的には拙いものにしかなりませんが、それでもしっかりと計画して行動すれば、それなりの作品には仕上がります。
手持ちの機材を使うため、材料費はゼロ。
人件費もせいぜい付き合ってくれた仲間の食事代を出す程度で済むはずです。
その仲間すらいないのであれば、まずは一人で完成させられる作品を企画すべきです。
（そういう一人企画にも、別の魅力があります）
映画作りをしていくと、常に「次はこういう作品を作りたい」というアイデアも湧いてくるでしょうから、撮影規模や難易度も、身の丈にあったものから徐々にレベルアップさせたものにしていった方がいいでしょう。
活動継続が困難になる理由は、突き詰めて言えば、
・活動に伴うコスト
・活動から得られる満足
のバランスが崩れて、分かりやすく言うと「割に合わない行為」になってしまうことです。
商業映画を見れば一目瞭然で、「予算が集められなくて満足のいくものが作れない」という言い方をしますが、それはお金を出してくれない方が悪いのではなくて、「お金を回収できる作品を作れないから、投資として危険すぎてお金を出せない」というのが実情です。
それに対して「芸術をお金で計るな！」というのであれば、人がお金を出してくれない事に文句を言わず、自分自身の情熱だけで創作を続ければいいだけなんです。
趣味の創作活動はお金のためにやってるわけではありません。
でも、「お金」を単に「価値を測る道具」として考えれば、同じような問題があることは明らかです。
現代のように動画コンテンツが溢れかえっている時代では、映画のような作品を公開してもほとんど見てもらえません。
日本人は「製造」は好きでも「販売・宣伝」は嫌いな人がほとんどですから、「良い作品を作る」というところにエネルギーを注ごうとしますが、「作品をいかに多く見てもらえるか」という活動量が圧倒的に少ないと感じます。
それでは見てもらえるわけはないんですよね。
誰にも見てもらえない状態で創作を続けるのは、不可能ではありませんが、かなり厳しいです。
ある程度の承認欲求が満たされないと、自己満足も大きくはならないんですね。
クリエイティブな仕事を
早く出来るようになるのかというと
まず期限を決め、進行スケジュールを
細かく区切るといいです。
それから、頭の中にあるものだけを
出そうとするのではなく
情報を集めてきて再構築する
ようにするといいです。
このようにすると、気が乗らない日でも
作業に向かうようになりますし
外からも情報を集めるため
ネタ不足になりません。
クリエイティブな仕事というのは
計画性がないと本当に進みませんので
くれぐれも気をつけた方がいいですね。
今後、文章や動画を作る時には
このことを意識しながら
やってみることをお勧めします。
例え競争して勝てたとしても
時間と体力を無駄に消耗するからです。
私の考えでは
競争の厳しいマーケットに
参加するだけで損であり
競争の少ないマーケットに
参加することこそが賢い選択なのです。
そして、この考えがあるからこそ
そこまで努力せずに
10億円以上得られてきましたし
旅や恋愛を楽しむ
時間的余裕もあったのです。
そんなわけで、私はその時々で
競争の緩いことをやってきましたが
最近のSNSは努力家の参入が
増えすぎたので
そろそろSNS引退しようと思っています。
いつの時代も、どんなことでも
みんながやるようになると
競争が厳しくなり
お得でなくなるものです。
努力競争せずに生きるには
まだみんなが目をつけてないけど
リターンが大きいものを
探して取り組むべきですね。
山崎監督ならではの、グリーンバック撮影した映像と、CGを組み合わせた景色が生み出す世界観、戦後の焼け野原の映像などは絶望的な風景で、これをこんなにリアルに表現できるのは、現代の日本映画ならではのものだと思います。
軍艦の登場シーンも素晴らしいものでした。
昔の日本映画に出てくるミニチュアの戦艦なども、私は大好きではあるんですが、やはり水の表現が画面に加わってしまうと、ミニチュアはミニチュアであることがバレてしまうんです。
「よく出来たミニチュアだなあ」と感心はしますが、「ミニチュアと気付かなかった」とはなりません。
現代のリアルなCGで作られた軍艦シーンは、状況から考えてCGだと判断はしていますが、現実の映像として気持ちよく騙されながら見ることができます。
山崎監督は「駐車場さえあれば、どんな場面でも撮れる」と言われたりしますが、今回も何の変哲もない空間にグリーンバックをセットして、工夫して贅沢な映像を作っています。
ご存じのようにアメリカのアカデミー賞で、視覚効果の賞を取ったわけで、CGの技術、VFXの技術が凄いことは間違いないんですが、この映画の総合点を押し上げているのは、やっぱり外国の人にでも分かるような「ベタドラマ」の力だと思うんです。
「ジャンルもの」として特殊に認識されがちな怪獣映画にベタドラマの展開をそのまま取り入れて、最低限の面白さは担保し、特撮や映像の力で「プラスα」の魅力を加えた、というのが成功の要因だと思います。
「ゴジラ -1.0」の続編も決定したそうですが、
・視覚効果の部分で評価されたから、もっと凄い映像を入れよう
ということだけで勝負すると、恐らく今回のように一般の観客が「ああ面白かった」とはならないと思うんですね。
裏で技術的には凄いことをやっているにしても、やっぱり表に見える部分は、古典的な人間ドラマを外さずにきっちりと構築することが、逆説的ですが、特撮を初めとする映像を引き立たせるための条件だと思います。
Note Note Editions, 2024
（ヴィヴィアン・サッセン）
ヴィヴィアン・サッセン（1972-）は、オランダのアムステルダム出身。彼女の写真は、エロティックかつシュールで瞑想的。カメラやモデルのセッティングや演出に特徴があり、モデルはときにまるで彫刻のように体を不自然な格好に曲げたり、顔を隠したり、独自のメークが施されます。ファッション写真とパーソナル・プロジェクトの両分野で活躍し、いまではアイデンティティ、ジェンダー、身体、人種、ファッション、環境までの、さまざまなテーマや主題を探求する印象的でダイナミックなイメージで国際的な評価を得ています。
本書は、サッセンのビジュアル・ランゲージ(視覚言語)の誕生を紹介する本です。
ここでで紹介する写真はすべて、彼女が写真家としてのキャリアをスタートさせたばかりの1990年代半ばに撮影されたものです。自然発生的で個人的なアプローチを好むサッセンは、身の回りのものや環境を好んで被写体にします。
これらの写真には、彼女が早くから取り入れてきた演出、フレーミング、遠近法のセンスが反映されています。彼女は、このようなアプローチによって、私たちが親しみを感じているあらゆるものの根底にある奇妙で不穏な側面を具現化することができるのです。 当初、この作品は本の出版プロジェクトとして構想されました。その後、写真家とNote Note Editionとの出会いを経て、数年後に出版されることになりました。
ハードカバー : 80ページ、エディション1200、サイズ 21.4 x 3 x 26.6 cm、カラー図版41点を収録しています。
「フィルムで撮っていた時代はCMディレクターの個性が活かせた。プロの仕事に代理店やクライアントがあまり口出さなかった。デジタルになって作品ではなくコンテンツ扱いになり、修正がどんどん可能になって商品の説明中心になったから、コストのかかる短編映画のようなCMは作られなくってしまった」とサントリーウィスキーなどのCMを例に出して話してくれた。
そうなんですよ。テレビＣＭがいちばん輝いていた時代に監督をやれてほんとうによかったと思いますよ。 ...
家庭用のビデオが非常に普及し始めて、映像作りが個人でもできるようになってきた頃です。
その当時、私が仲間と一緒に見た夢というのがあって、それはレンタルビデオの棚に「自主映画」というコーナーを作らせて、そこに自分たちが作った自主映画が並んでいる状態。
それを実現させていたのが後に知った、レンタルビデオ用映画専門のメーカー「アサイラム」です。
超低予算で年間に12本くらい映画を作るというような、馬鹿げた量産体制をとっている会社です。
倉庫のような場所をオフィスにしていて、そこには事務所のほかに、いろんな撮影セットがあるんです。
ベニヤ板とかダンボールで作ったようなチープなセットですが、例えば撮り方によってはコックピットに見えないこともないと。
SF作品では宇宙船のコクピットになるし、パニック映画では旅客機のコックピットとしても使う。
会議室にアメリカの国旗を立てかければ、大統領執務室にもなるという、子供のごっこ遊びのような撮影場所を社内に持っているんです。
量産した作品をどうやって販売するかがアサイラムというメーカーの一番の強みなんですが、世界中に販売網があるんです。
それは世界中のレンタルビデオ店です。
店では回転率の高い作品を望んでいますから、すでにファンが確立しているアサイラムの作品は大歓迎なわけです。
正直、アサイラム映画のレベルは高いとは言えません。
それでも独特の大風呂敷の広げ方に中毒性があって、癖になるんでしょう。
友達同士でアラを突っ込みながら見て、「ああ、馬鹿馬鹿しかった」ということで、次の新作もまた同じように借りるというファンがたくさんいるというわけです。
時代が流れて、台頭しているのが配信サービスですが、アサイラムは独自の配信システムを作って、相変わらずファンが喜ぶモンスターシリーズなどを作り続けています。
作品の品質はともかくとして、このアサイラムの生産力の強さ、販売力の強さは魅力で、見習うところはたくさんあると思います。
私が何十年か前に夢見た、自分の作品の市場を世界規模に広げたいという状況は、今では夢物語では無いんです。
インターネットを利用することで、単に世界中の人に無料で作品を見せるだけでなく、レンタルビデオのように料金をとる事も可能です。
いい暇つぶしになるものかどうかが評価の基準です。
特に今は、使える時間のほとんどはスマホを見ているというようなことが多いわけです。
そうするとスマホ時間をどれだけ奪い合うかという話です。
スマホで漫画を見ている人もいれば、ゲームをしている人もいます。
「スマホで自分たちが作った映画を見て欲しい」というと、なるべく良質な暇つぶしの材料を作らないと見てもらえないわけです。
オーソドックスなエンタメ作品を作りましょう、という理由は、エンタメにはある程度「型」があって、サマになりやすいからです。
映像についても「映像理論」があります。
別にこれを守らないからと言って、罰則があるわけではないし、作品が成り立たないわけではないんです。
ただ、特にアマチュアの作家にとっては、観客が見ていられないものになると作品が無駄になってしまうので、映像理論も最低限は押さえて、見やすい映像にしませんか？という話なんです。
でも、別の考えもあります。
映画にはそもそもいろんなものがあります。
オーソドックスなエンタメ作品もあれば、作家の感性を優先した「いびつな作品」もあります。
基本的にはオーソドックスな作品の方が観やすいのは事実なんですが、私自身、サブスクにある映画の中から何を選んでいるかと考えてみると、正直、必ずしもオーソドックス作品だけを見ているわけじゃないんです。
例えばアマゾンプライムビデオを利用すると、見たことも聞いたこともないような作品も出てきます。
何かが破綻していて、物語もよく分からない、明らかにレベルが低い作品もあります。
ただ、
その中には「何だか分からない魅力」がある作品も含まれているんです。
そういう作品を見てしまうと、面白いかどうかはともかくとして、「こういう風にちょっと毛色の違う作品も見てみたい」という感覚が湧いてくるんです。
それをジャンルで分けるとすると、正しいかどうかは分かりませんが、「芸術映画」あるいは「実験映画」かもしれないと思うわけです。
話はよく分からない。
ただ、圧倒的に映像の魅力があるという特徴が共通するジャンルです。
夢野久作という人の遺作小説を原作とした作品です。
実験映画で有名な松本俊夫監督作品です。
主演の桂枝雀、松田洋治の二人が素晴らしい魅力を発揮していました。
それから、鈴木清順監督の作品。
一筋縄ではいかない毛色の変わったシーンがたくさんあって、不思議な魅力があるんです。
イギリスのケン・ラッセル監督の作品も私は大好きです。
一番有名なのは「アルタード・ステイツ」という映画かと思うんですが、幻覚成分のある植物を使ってトリップすると、その幻覚に浸りながら、体の方もなぜか先祖返りしてしまうというような、ちょっと荒唐無稽な作品です。
映像は、シュルレアリズム画家のサルバドール・ダリの絵画と近いイメージです。
その摩訶不思議な世界を映像で表現しているんです。
最近亡くなった、デイヴィッド・リンチ監督。
テレビシリーズの「ツインピークス」で有名ですが、この人の映画というのも非常に変わっています。
私は昔、観た時には何が面白いんだかさっぱり分からなかったんですが、「全然分からない」「何だこれは？」というところが魅力に感じてしまうような作品群を撮っています。
こういう芸術映画、実験映画は、圧倒的に映像が綺麗で魅力的という特徴があります。
もし、これをある程度追求できるのであれば、アマチュア作家でも芸術映画、実験映画の類いのものを作ってみても、もしかしたら面白いのかもしれないと最近感じています。
芸術家ではない人が芸術映画的な作品を作ろうという訳ですから、もちろんこれは邪道な話です。
でも、勝算もあると思うんです。
例えばお芝居。
達者な人の演技はみんな見慣れています。
私たちが作る作品には、全く芝居ができない人が出ることがあります。
その時に「演技しなくていいです。普段のまま、何も飾らずに台詞を言ってください」という形で撮影すると、思いの外これが魅力的なことが良くあります。
初めから演技を捨てたために魅力が出てしまうという、役者の人にとってはちょっと屈辱的な現象が実際起きるんですね。
技術が拙いことを逆手にとって成功してしまうという例です。
これが映像の中でもあり得るという発想です。
これは見やすくて分かりやすい映像です。
ところが、芸術映画では、通常であれば繋がりを自然にするための映像理論を無視して、ズバっと唐突にぎょっとするような映像を繋げてしまったりするんです。
だから映像としては繋がってないんです。
もちろん本物の芸術映画は、これを狙ってインパクトを出すわけですが、もしかしたら技術のないアマチュア初心者がこれを真似してやっても、案外サマになって見える可能性があるな、と思うんです。
「何を言ってるんだ。そんなもの芸術でもなんでもない！」と言われれば、それはもっともな話です。
シャレで芸術映画風のものを作ってみましたというものに過ぎないことは否定はしません。
ただ、観客にとって映画は暇つぶしでいいんです。
アマチュアが作っているのに、まるでテレビドラマのように見やすい作品。
これはこれで魅力です。
でも、オーソドックスな面白いドラマは、目の前に溢れかえっているわけで、わざわざアマチュアが作ったものを見る動機は見当たりません。
でも偽物だとしても、芸術映画みたいな、ぎょっとするような映像美が含まれていて、ちょっとシュールで理解が難しい映画は珍味にはなり得ます。
ライバルが少ないからです。
具体的にどうやったら芸術映画っぽい作品になるか。
物語を作る必要はありますが、筋らしきものがあれば、もしかしたら充分かもしれない。
芝居も芝居らしきもので良しとする。
例えば台詞にしても、わざと意味不明にして、観客の深読みを誘う形を意識したらどうでしょう？
もちろん我々が作るレベルですから、鈴木清順だとか、デイヴィッド・リンチ並みのものが作れるなんて、そんな大それたことは言いません。
所詮は偽物です。
でも、一見それらしい「楽しい作品」が作れたら痛快じゃないですか？
必要なのは映像美です。
ケン・ラッセルの映画などを見ると、どぎつい「映像の合成」も非常に有効かもしれません。
それから、自然の造形美。
岩の形だとか、コーヒーのカップの中に広がるミルクの模様とか、こういうものもうまく使うと、映像美の実現に役立つかもしれません。
それから、シュールな設定で変なことを大真面目にやって、見栄えがするように丁寧に編集をするのも効果が出そうです。
フィルムにはフィルムの良さもあるので、体験されるのは、とても良いことと思います。
但し、現在ではフィルムでの撮影はとても高価なのですね！
あと、最新技術ではデジタルの進歩により、仕上がった解像感はデジタルのほうが上です！
なので私のおススメは中判カメラ以上の大サイズのフィルム撮影です！お時間と手間がかかりますが、カメラ自体の初期投資もデジタルよりも廉価に実現できます。
ご参考になれば幸いです。
雲などと言うものは、撮影の時に偶然に入ってきて、それが面白いとかつまらないとか言っているレベルの写真家とは異なって、アルフレッドスティグリッツは雲をモチーフとしたと言うところが画期的である。
その影響を受けた私であって、雲が登場するとどうしてもそちらの方向に神経が行ってしまう。これは六本木ヒルズがオフィスだった頃の10数年前のショットである。
東京スカイツリーができた直後であって、その頃はなかなか話題になったものだが、六本木ヒルズから見ると東京タワーに比べて東京スカイツリーはかなり小さいので迫力に欠ける。それを補正するとか補強するとか言う意味ではないのだけれども、手前に非常に大きな黒い雲が登場して、そのボリュームとスカイツリーのサイズを比較すると、その間に非常に巨大な空間が表現されると言うことに気がついて、このワンショットを撮影したのであった。
例えば私の好きな恐竜映画。
確かにCGの技術を使えばかなり思い通りの構図で複雑な動きの設定が出来ます。
低予算の恐竜映画に出てくる恐竜映像は何ともチープで、CGの悪いところが目立っていますが、チープになる原因の半分は「見せ方」つまり演出で、本気でチープさを上手く隠そうとすればもう少しましには出来ると思います。
CGの便利さは、模型の材料も保管場所も不要で、作った模型が経年劣化で壊れる心配も無いことです。
それに加え、撮影も不要です。
パソコン内に作られた仮想のスタジオの中で、理想的な照明を設定し、とても一人では撮影できないような複雑なカメラワークも再現して、映像を作ることが出来ます。
映像を編集している時、「もっと違う角度でも撮影しておけば良かった」とか、「こういう動きをさせておけば良かった」という後悔は必ず生じます。
その時、CGであれば「撮影」という大掛かりな作業の代わりに、パソコン内での作業だけで必要な映像が作れます。
そんな便利なCGを何故私は使わないのか。
理由は単純で、私にとって面倒なアナログ特撮の準備こそ、映画作りの楽しさの中枢だからです。
昔から、特撮のカラクリを解説した書籍などを買いあさり、資料写真を穴のあくほど観察して、構造を想像して楽しんでいました。
映画の映像は必ずしも苦労して手に入れなければいけないものではありません。
極端に言うと、ネットにあふれているフリー素材の映像だけでも、うまく組み合わせれば映画は出来るんです。
綺麗で魅力的なフリー素材映像はたくさんありますから、見栄えのする映像は作れます。
でも、それが完成したとき、果たしてその作品に「自分が作った」という実感が持てるかという問題が発生します。
個々の映像は見ず知らずの誰かがどこかで撮影したものですから、当然、愛着がありません。
「あの景色凄かったね！どこで撮影したの？」
と言われて「あれはフリー素材」と答えると、「なあんだ、フリー素材か。感心して損した」という感覚になるものです。
ジナルであることは素晴らしいと思いますが、複製であっても
技術が伴っていれば、それなりの評価に値するものだという価値観
を持っておりますので、この美術館は建築や美術館の景観も含めて、
作品選定の内容など、世界に引けを取らない美術館だと思いました。
欧米の価値観からすると、オリジナルに拘る方が多いですが、アジア
的な価値観をもつ多くの方には、この大塚国際美術館の価値を共有で
きるのだはないかと思います。とはいえ、現地で多くの方がいらっしゃ
いましたが、殆どが日本人だったのが印象的でした。
近くの直島美術館は、初期のころから欧米の白人観光客が多かった
ことを思い出すと、隔世の感がありますが、これから時間をかけて
大塚国際美術館は世界中の観光客がくるようになる名所になると確信
しています。きっと広報をされていないのだと思います。
国会議事堂の中で銃撃戦が始まったり、水田地帯に旅客機を不時着させたりという描写も、文章に変換さえできれば表現することが出来ます。
それに対して「映像」は「撮りさえすれば形になる」というメリットがある一方、「どこで撮る？」「どうやって撮る？」という制約が常に付きまといます。
例えば普段、何の気なしに見ているドラマでは
・駅の改札
・列車内
などのシーンがよく出てきます。
私たちも日常生活の中で目にする光景なので、このシーンを撮影する困難さはピンと来ないんですが、実際にこういう場面を実現させたいと思うと、かなり不可能に近いんです。
商業映画では通常、交通機関の車両を借り切って撮影したり、リアルな室内セットを作って撮影します。
どちらも大変な費用が掛かるので、私たちの自主映画・DIY映画では現実的ではありません。
昔は商業作品でも、低予算の場合、いわゆる「ゲリラ撮影」も良く行われていました。
今でも「ゲリラ撮影で勝手に撮ってしまえば良いじゃないか」と考える人が多いんですが、これはお勧めできません。
実際に、周辺に人がいる場合、多少なりとも迷惑を掛けることになりますし、仮に迷惑でなかったとしても、昔と違って、社会全体が「それくらい大目にみてやろう」という余裕がないように思うからです。
「でも、せっかく脚本に書いたイメージだから実現させたい」と私はいつも思います。
そこで辿り着いたのが、ストック映像を有効活用したグリーンバック撮影・クロマキー合成の手法です。
確かに、照明を変えるだけで人物の感情を表現できたり、観客心理までコントロールできるという解説は、とても魅力的です。
「撮影」は影を撮ると書くくらいですから、光の調整は確かに大事なんです。
ただし、先にも言ったように、実はアマチュアのDIY映画では優先度を低くすべきなんです。
いろいろな作品を見て、つまらない作品、観ていられない作品はたくさんありますよね？
その理由を考えてみてください。
・話がつまらない
・うるさい
・不快な要素が多い
こういう理由がほとんどではありませんか？
「室内シーンの照明が甘くて作品が台無し」なんていう作品は、私は観たことがありません。
以前、「トリック」というテレビドラマの中で、わざと撮影用の照明を使っていない室内シーンがありました。
画面を明瞭に撮影するテレビドラマとしては異色でしたが、そのせいでつまらなくなるわけでもありませんでした。
恐らく、多くの視聴者は、「撮影用の照明が無いから変だ」とさえ感じていなかったと思います。
特にエンタメの創作物については、自分の価値観に合わず、観たくない作品であるなら、無視すればいいんです。
「多様性の時代」などと言われる以前に、当たり前のことですが、人の価値観や嗜好はさまざまです。
私も大嫌いな映画などが存在はしますが、それを絶賛する人も多いことを知っています。
だから、わざわざ率先して「この映画はひどいから見ない方がいい」などという浅はかなことは言わないんです。
「時間の無駄だ」「不愉快になる」といった感想は、親しい相手に伝える程度なら参考意見になります。
しかし、無関係な第三者に広めることは、その人が偏見なく作品を楽しめる未来を奪う行為になりかねません。
たとえ「これは私見です」とことわったとしても、無名の発信者が言うべきことではないと思います。
百歩譲って、「創作者」であれば、対抗意識をエネルギー源にするために、ライバルを批判する手法は認められるかもしれません。
昔、ボクシングの辰吉丈一郎選手が、試合前に対戦相手の悪口を言う理由として「何の恨みもない相手、しかも自分と同じように毎日一所懸命にボクシングの練習をしてきた相手と殴り合わなきゃいけない。せめて悪口を言って、嘘でも嫌いにならないと戦えない」と告白していました。
これと同じように、モチベーションを高めるためや、アンチテーゼを方向性として認識するために「批判」を利用するのであれば、否定するものではありません。
これは、古いタイプの創作者からは反感を買うことでしょう。
前述のバレエ団も、古いバレエ関係者からは「本番舞台だけで勝負しろ」という批判も多いと言います。
でも、大事なことは、お金を出している観客がそのメイキングコンテンツによって興味を持ち、本番舞台を見て感動しているという事実です。
また、従来のやり方では上手く行っていないという事実です。
作り手が満足させるべきは古い価値観のまま、時代に取り残された「同業者」ではなく、純粋に「観客」であるべきなんです。
映画で言えば、作品の「裏側」を積極的に発信することで、観客の共感や興味を引き出し、結果的に本編映像を「贅沢なオマケ」扱いにされても構わないという柔軟な発想が、新しい可能性を生むと思います。
あなたも作品づくりの際、どこに価値が生まれるかを再考してみませんか？
あなたの創作ではどんな「裏側」に魅力があるでしょうか？
という国際的な記念の年の幕開けを飾る展覧会として位置づけられて
いるとおり、オルセー美術館所蔵のモネの名品がずらりと並んで
おりました。最近では日本にも海外の名品をみられるようになった
ものだと思います。
オルセーからはモネの作品４１点を含む、オルセー所蔵の益９０点に、
国内の美術館や個人所蔵作品を加えた合計約１４０点で、風景画家と
してモネの魅力を紹介されています。
やはりモネといえば、印象派の作家として日本人には大人気の作家です。
ベネッセの直島美術館においては、モネの睡蓮が現代アートの起源で
あるとの認識だと、福武総一郎さんから伺ったことがあるほどです。
ともあれ、日本人だけでなくモネの人気は世界的であり、今回の展覧会
の来場者をみても一目瞭然です。
あらためて、この時代は産業革命による近代化が芸術に与えた影響も
大きく、モネもその一人であります。画家にとって産業革命が与えた
影響で語られるのは写真の出現です。モネも写真を撮り、被写体とし
ても、モネがお庭で絵を描いている写真がよく紹介されています。
写真が登場することによって、現実の様子を紹介するという絵画の役目
は大きく減退し、人間の目でみて感じたことをキャンバスに写し取る
ことから、目に見えるものではなくコンセプトや感じたことを画家たち
はキャンバスを通じて伝えるようになりました。
それでも、印象派の画家たちは、モネを中心として目でみたものを再構
築することで多くの人を魅了してきました。私もその中の一人です。
風景をみるまなざしが優しく、自然を見る目がとても穏やかで、喜びに
満ち溢れていることを感じます。